Pittura

Chiara Marchegiani nasce la sera del 17 Dicembre del 1982, in un piccolo paesino della provincia di Macerata, Treia. Le colline di questa terra generosa nei frutti e nei colori nutrono l’infanzia dell’artista circondandola di querce, papaveri selvatici, campi di grano e le abitudini contadine della famiglia paterna le fanno conoscere il rispetto e l’amore per le creature del mondo. Chiara sin da piccola dimostra un carattere solare e gentile nonostante si dimostri tendenzialmente solitaria. Cresce silenziosa ed osservatrice attenta verso un mondo a volte troppo chiassoso per la sua anima ed all’età di circa sei anni l’evento della separazione dei suoi genitori accentua ancora di più questo suo lato del carattere, portandola a crearsi un mondo interiore ricco di immagini e parole dove esprimere già una forte passione per l’arte. Questi colori d’infanzia e questi mondi fatti di immagini e parole permettono a Chiara di crearsi una personalità forte e stabile, per quanto estremamente sensibile.
Chiara frequenta l’Istituto Statale d’Arte “G. Cantalamessa” di Macerata i quali studi le permettono di maturare la passione per la pittura. L’adolescenza vede la totale espressione delle sue capacità artistiche, infatti la poesia, la pittura poi la fotografia diventano i suoi principali mezzi espressivi, che spesso si intrecciano grazie alla forte simbologia delle sue opere. Nel 2002 Chiara si iscrive all’Accademia di Belle Arti di Macerata ma si vede costretta ad abbandonare il corso di studi per motivi economici. Da qui Chiara inizia a lavorare senza mai abbandonare la sua passione primaria, l’arte.
Oggi Chiara lavora come Grafica e Web Designer presso la Net Cubo Informatica S.r.l. a Macerata, attività che le permette di sviluppare tutti quelli che sono i suoi interessi. La creatività. La fotografia. Il colore e soprattutto il concetto di “comunicare”. I soggetti dei quadri possono raffigurare ideali, come l’Amore, o essere di carattere autobiografico come in “Io”, fino a sfociare nell’astrattismo simbolico di opere quali “Idea” e “Volo”. La natura è continua presenza nei dipinti dell’artista, che vede in piante ed animali, fedeli ed indifesi compagni di viaggio, anch’essi obliati dal frastuono di una società a volte troppo violenta ed “isolante”.
I colori nero, rosso, oro, marrone e toni del celeste si alternano in giochi di curve donando alle tele una nota di sublime forza terrena dei paesaggi che contorna. Sono sorrisi donati alla tela ed al materiale grezzo su cui stende il colore, respiri di speranza e leggerezza. Il pennello scorre deciso e suadente, generando linee grezze e materiche, che donano carattere ai contorni come i calli donano dignità alle mani. Simboli, soggetti e colori si fondono fino ad amalgamare realtà ed immaginazione, esperienza ed aspettativa.
Le sue opere sono così un canone segreto, comprensibile solo attraverso la traduzione silenziosa dell’anima.

Elisa Berardinelli nasce a Senigallia nel 1981 e nel 2000 si trasferisce a Bologna per frequentare il “Corso di Metodologia della Conservazione-Restauro del patrimonio artistico” all’Accademia di Belle Arti svolgendo fin da quel periodo collaborazioni con diversi Studi di Restauro sia bolognesi che marchigiani.
Nel 2006 significativo è stato per lei l’incontro con un maestro d’arte italo-polacco, da cui tutto’ora continua ad apprendere le tecniche artistiche antiche. Grazie a questa esperienza oggi esegue sia riproduzioni dall’antico di disegni e dipinti, soprattutto dal Seicento in poi, sia opere personali. Tra queste ultime annovera disegni, ritratti a matita e ad olio, e dipinti eseguiti con la tecnica ad olio.

Siciliano di origine (Catania 1962). Dipingo da sempre. Nel 1982, dopo essermi diplomato in “Arte Applicata” e “Decorazione pittorica” all’Istituto Statale d’Arte di Siracusa, mi sono trasferito a Bologna per proseguire gli studi. Ho frequentato il D.A.M.S. dove ho approfondito la conoscenza critica dell’arte nel clima di avanguardia culturale che in quegli anni vide molti intellettuali riuniti attorno a Umberto Eco e al D.A.M.S. di Bologna. Affascinato dall’estetica sperimentale e dalla psicologia della percezione, mi sono laureato con Alessandro Serra presentando una tesi in Psicologia dell’arte: “I meccanismi della rappresentazione visiva nei disegni di Saul Steinberg”. Nel 1992, dopo aver seguito all’Accademia “Clementina” di Belle Arti il Corso di Pittura tenuto da Emilio Contini, mi sono diplomato presentando uno studio dal titolo: “Attualità della figurazione di Lucian Freud – Contributo alla mia ricerca pittorica”. Ora vivo a Jesi nelle Marche.
Lucien Freud e Saul Steinberg sono i miei maestri: dalla linea sottile del primo e dall’immagine forte e reale del secondo traggo continua ispirazione; insieme con lo studio della psicologia dell’arte e della percezione visiva fatto sui saggi di Ernst Gombrich e Luciano Anceschi segnano la mia genesi artistica.
Ciò che mi spinge a dipingere è la bellezza insita nell’intuizione sempre diversa dei meccanismi alchemici che si generano dall’accostamento di forme e colori .
Vivo l’arte come una continua ricerca e sperimentazione di tecniche e materiali. Utilizzo tavole, compensati, reticolati, plastiche, carte per una costruzione quasi da carpenteria delle mie opere. Spesso I fogli schizzati diventano parte integrante del componimento pittorico: ritagli inglobati in una sovrapposizione bulimica di colore, carte, ritagli, fotografie e ancora colore.
Non mi interessa narrare il vero, né descriverne gli accadimenti ma creare luoghi percettivi che risveglino in chi guarda la meraviglia per i meccanismi della rappresentazione della realtà. Quello che mi interessa e disanestetizzare gli ambienti visivi dalla percezione statica e renderli costantemente inediti e vitali
Ciò che mi chiedo quando dipingo è come poter rendere la rappresentazione delle cose in mutamento costante: creare un processo e non una sostanza, questo mi interessa. La visione deve fluire, tanto da rendere impossibile guardarla due volte nello stesso modo.
Per questo le mie opere sono un non-luogo – una sorta di tempio mentale su cui si proiettano ricordi, visioni, sogni – dove forme e figure, dalla fitta trama materica e colorica, definiscono lo spazio e attraggono chi guarda su qualcosa di visto ma non osservato: un altrove emotivo dove ad ogni sguardo tutto ricomincia in una nuova dimensione visiva.

Allievo del Maestro Gilberto Grilli, di scuola Annigoniana, dipinge da anni facendo ritratti e dipinti per chiese e privati. Usa tecniche come incisione, affresco, olio e tempera.

Sono una collaboratrice di restauro, da sempre affascinata dal colore, dal segno grafico e dal potere evocativo delle immagini che accompagnano l’uomo e la sua evoluzione sin dalla preistoria.
Mi sono avvicinata alle immagini e alle illustrazioni frequentando un corso d’acquerello da un noto acquerellista marchigiano e scoprendo poi la bellezza delle immagini tra le pagine negli albi illustrati per l’infanzia. Con il tempo, inventare personaggi e storie su carta è diventata un’esigenza quotidiana. Quando riesco a far muovere un sorriso a chi riceve o osserva un mio disegno, sento di aver raggiunto un piccolo ma importante traguardo.

Amante dell’arte per nascita e formazione, pittore autodidatta cresciuto a contatto con il mondo artistico, inizia a lavorare nell’ambito del collage e della manipolazione digitale di immagini significative.
Nel 2013 intraprende un percorso prettamente pittorico che lo porta all’esecuzione di una serie di smalti su tela e cartone dal titolo “senza giustificazione”, le opere prodotte all’interno di questa serie sono state soggetto di mostre collettive e personali in diverse località delle Marche.
Parallelamente alla produzione informale prosegue la ricerca nel campo del collage con la creazione di una serie di progetti in collaborazione con riviste cartacee e online (Progetto Whiteboard, un’immagine a settimana ispirata dalla cronaca in collaborazione con Prospettive Magazine) e con il cinema Gabbiano di Senigallia (Serie di cartoline per il ciclo “La grande arte al cinema” in collaborazione con Anjeza Rama)
Parallelamente all’attività pittorica porta avanti un percorso nella poesia che lo porta a eseguire diversi reading con accompagnamenti musicali e spettacoli teatrali.
Dal 2016 è conduttore radiofonico della trasmissione “La poesia è dei poveri” con cadenza settimanale.

Lemeh42, disegnatore e videomaker, che filma i propri disegni per tradurli in animazioni, compie uno scarto rispetto al lavoro che lo ha reso fin qui noto.

Appassionato di letteratura americana, di animazione giapponese, ora compie un percorso attraverso la storia dell’arte e delle iconografie religiose, con una tecnica antica, quanto mai evocativa di usi, riti, costumi, plasmati nei secoli e nell’alveo di società tradizionali. E’ incisione su vetro, la tecnica che Lemeh42 pratica per delineare figurazioni che citano, oltre a icone devozionali popolari, opere su carta di Michelangelo e di altri artisti del passato; ma l’andamento gestuale è veloce, a volte ossessivo, con una sovrapposizione segnica intrinseca, nei modi e nel senso, all’arte contemporanea.